Fabs0rs Medien- und Gezuppelwelt

Organisatorische Großtaten werfen ihre Schatten voraus. Im Fall der großangelegten Techno-und Houseparty namens "Electronic Nation" muss ich dem Team um Rock-Inc. und dem Nachtflug e.V. auch mal öffentlich Tribut zollen.  Zwar  reagiere ich generell auf rein elektronische  Musik recht ablehnend, doch  was Philip Nieland und Konsorten gestern auf die Beine gestellt haben verdient eindeutig einen Respekt:  Tonka, Tomcraft und DJ Hooligan zum eigenen DJ-Team gesellen und über 1000 Leuten einen zehnstündigen  Tanzmarathon ermöglichen ist ne  wirklich tolle Klamotte.  Angerückt mit dem Rest der Pinnwand Redaktion des MZV wars wirklich sehr nett.  Hier mal der Waschbär-Fachmann wie ihn ein Fotoscout digital gestern festgehalten hat.

Herzlich willkommen bei unserer heutigen Klassikerstunde, unter dem Motto „Filme , die man auf ewiglich ins Herz geschlossen hat“. Die Wühlkiste der denkwürdigen Erinnerungen aus Kindertagen aufgestoßen, schaut uns ein ehemaliger Großmeister in die treuen Äuglein und bettelt darum, dass wir seinen früheren Großtaten huldigen und seine aktuelleren Filme verzeihen mögen. Diesmal am Start: „John -„Ich wäre immer noch gerne Howard Hawks“- Carpenter!“
In der Arktis ist die Hölle los: Kurt Russel und die restliche Belegschaft einer Forschungsstation entdecken, dass der von ihnen vor einem schießwütigen Norweger gerettete Flohbeutel nicht wirklich mehr der kläffenden Zunft zugehörig ist und man sich nen fesches Alien in die Bude geholt hat. Der superfiese Organismus aus dem All absorbiert ratz-fatz was ihm vor die Tentakel kommt und nimmt dessen Gestalt an. Absolute Klaustrophobie in der trauten Behausung und jeder der Kollegen könnte der Außerirdische sein.

Klartext: Hier ist einer der zeitlosesten Filme ever am Start! Was in der Filmographie von John Carpeter den Punkt seines Abstieges aus der kurzen Top-Horror-Handwerkerriege markiert, ist auch 23 Jahre später noch ein Meisterwerk der Suspense und beklemmender Angst. Was hier zusammen kommt ist schier der Stoff aus dem Kultfilme gebaut werden. ----Eine Schauspielertruppe, die so wunderbar aufgelegt ist, als wenn ihnen der Regisseur mit vorgerichteter Waffe befiehlt, verdammt noch mal den Schrecken aus jeder Pore sichtbar zu machen. Ein Score vom Meister Ennio Morricone der sich verpflichtet fühlt dem Minimalismus des Carpenter-Synthisounds die Krone aufzusetzen. Last but not least komplettiert ein wirklich derbes Splatter-Effektgewitter von Rob Bottin diesen unglaublich atmosphärischen Horrortrip.

Zu diesem Gesamtsujet gesellt sich noch eine Inszenierung, die so wunderbar um die Ecke kommt, dass The Thing selbst noch nach fast einem viertel Jahrhundert taufrisch aussieht und locker bei Unwissenheit als aktueller Kino-Blockbuster durchgehen könnte. Bestimmt eines der besten Remakes das jemals vom Stapel gelaufen ist. 1982 hatte das Ganze bloß einen gewaltigen Fehler beim Kinostart vorzuweisen: Kurz zuvor startete Spielbergs E.T. und The Thing floppte brutal an den Kinokassen. Die Fachpresse behauptete auch posthum: „ E.T. gedreht von einem Psychopathen!“
Scheinbar war Carpenters Werk seiner Zeit damals schon weit voraus. Zu Recht ein Kultstreifen und möglicherweise sogar der spannendste Film den die 80er mit hervor gebracht haben. Unser Halloween-Johnny mag seinen Esprit gegenüber dem Zeitgeist eingebüßt haben, doch The Thing ist immer noch grandios.

Die Aushängeschilder der Aardman Studios feiern endlich ihren ersten Einsatz in einem Kino-Langfilm und ziehen dabei sämtliche Register ihres Könnens. Zur Story soviel: In England herrscht eine riesige Kaninchenplage und gerade jetzt steht die Verleihung des großen Preises für Gemüsezüchter vor der Tür. Aus der Not ein eine Tugend gemacht nutzen Erfinder Wallace und sein Hund Gromit die Situation um mit ihrer Erfindung, dem Kaninchensupersauger ihre Haushaltskasse aufzubessern. Bei einem Experiment, der cleveren Ungezieferjäger, bei dem man mittels einer an dem Sauger gekoppelten Gehirnwäschemaschine, den Hasen das Gemüseräubern abgewöhnen möchte passiert das Unerwartete: Leichtsinnig erschafft Wallace ein mutiertes Geschöpf, dass des Nächtens als riesiges Wer-Kaninchen Angst unter den Gemüsebauern verbreitet.

Nach dem mehr als unsympathischen Spielfilm-Debüt mit „Chicken Run“, stellt der Wallace und Gromit –Film das absolut beste Knetabenteuer nach langer Zeit da. Technisch total up-to-date und mit einer hohen Gagdichte versehen schleicht sich hier keinerlei Langeweile ein, wenn vom klassischen Universal-Wolfman bis zu King Kong, Verweise gestreut werden und die Originale liebevoll durch den Kakao gezogen werden. Story-mäßig gibt’s ein paar kleinere Überraschungen, die jetzt nicht allzu verwundern werden, doch das bisherige Highlight der Serie-Die Technohose- lässt man fix hinter sich. Die absolut unschlagbaren Stars des Films sind allerdings die Häschen. Selten zuvor bin ich beim bloßen Anblick von Trick-Figuren so in unbändiges Lachen verfallen wie hier. Ob sie jetzt nur blöd gucken, oder eben winken (das tun sie verdammt oft!): Diese Viecher sehen so verdammt bekloppt und ebenso knuffig aus, dass man gar nicht anders kann als das Zwerchfell zu bemühen. Ich glaube, dass ich beim Brand, der letztens die Aardman-Studios größtenteils zerstörte, jedes einzelne dieser verdammt süßen Häschen da raus gerettet hätte. Verdammt, diese Hasen sind so dermaßen bescheuert und toll, dass ich mir sofortig einen ganzen Film nur mit ihnen herbeiwünsche. Wenn selbst die Pinguine aus „Madagascar“ einen eigenen Kurzfilm bekommen, will ich mehr Hasen.

7 von 10 Hasen, Hasen, noch mehr Hasen und noch viel mehr Hasen. Uaarrgghh, diese Hasen!

El Topo (Alejandro Jodorowsky)- der Maulwurf- ein komplett schwarz gekleideter Revolverheld, der mit seinem kleinen, nackten Sohn durch die Wüste reitet. Mitten im Nirgendwo der Einöde macht das eigenartige Duo halt und der Vater überreicht seinem Spross ein Stofftier sowie ein Bild mit dem Portrait der Mutter um ihm mit zu teilen, dass er beides nun im Sand vergraben solle, da jetzt, an seinem siebten Geburtstag, die Zeit gekommen sei ins Mannesalter über zu treten. Nach Beendigung dieses Rituals klappt der Vater seinen Sonnenschirm wieder auf und man reitet dem Horizont entgegen. In der nächsten Stadt, die sie erreichen findet das Gespann einen Ort vor, der über und über mit toten Menschen und Tieren versehen ist und dessen Straßen voller großer Blutpfützen übersät sind. Bevor dem einzigen Überlebenden den sie entdecken der Wunsch nach dem Tod erfüllt wird erzählt er ihnen noch wer für dieses Massaker verantwortlich ist. Nachdem El Topo die Banditen und deren Anführer getötet hat lässt er seinen Sohn zurück und macht sich mit einer Frau, die ihn von nun an begleitet auf die Suche nach vier Meistern, die er im Duell bezwingen will um die göttliche Erlösung zu erfahren.

Was sich jetzt in der kurzen Inhaltsangabe vielleicht nach einer relativ linearen Handlung anhört ist alles andere als in einer narrativen Erzählform fest zu machen! Unterteilt in eine Exposition, vier Prüfungen ,den Psalmen und einer abschließenden Apokalypse folgt Alejandro Jodorowskys episches Werk keinerlei Gesetzmäßigkeiten des konventionellen Kinos oder einer klassischen Dramaturgie. Fast zwei Stunden lang eröffnet sich ein gigantischer Bilderbogen über den Zuschauer, der immer wieder radikal durch Visionen, religiöse Symbole und ausufernde Stil- und Storybrüchen sämtliche Sehgewohnheiten seines Betrachters torpediert. Zur Mitte des Films, bricht dieser sogar aus allen Nähten und schwenkt komplett um als El Topo, der mittlerweile zum heiligen Mönch einer unter der Erde lebenden Freak-und Inzestkommune geworden ist, einen Tunnel graben soll, der die Ausgestoßenen mit der dekadenten Stadt an der Oberfläche wieder zusammen führen soll. In irgendein Genre-Muster lässt sich das alles schon nach wenigen Minuten nicht mehr fassen. Glaubt man naiver weise sich am Anfang noch in einem Western zu befinden, so brechen alle filmischen Strukturen schon kurz darauf zusammen: Die Duellisten, denen El Topo begegnet, führen Tiere mit sich, beziehen ihre Stärke aus Frauen, die sich nur mit krächzenden animalischen Lauten ausdrücken können, Menschen lecken sich gegenseitig ihre Wunden, eine abartige Spaßreligion findet ihren Höhepunkt im Russisch-Roulette und beim Erscheinen des Anti-Helden sterben schlagartig 300 Hasen. Durch den ganzen Film zieht sich ein derartiger Surrealismus, dass sämtliche Versuche, einer logischen Interpretation von vor herein zum Scheitern verurteilt sind. Die vielerorts genannte Symbiose aus Leone, Dali und Sam Peckinpah, um den Stil dieses Films in Worte zu fassen möchte ich jetzt nicht völlig abtun, denn einzelne Inspirationen sind durchaus spürbar, doch ich versuche das mal anders zu umschreiben: Man stelle sich vor, dass man voll gepumpt mit LSD, Meskalin und Ether verfällt man in der Wüste in einen tiefen Schlaf. Als die komplette Wirkung der Drogen einsetzt, erwacht man in einem Hieronymus Bosch-Gemälde und trägt die gesammelten Werke der Weltreligion unter den Armen. Wer einen Film sucht, der gut unterhalten soll, der macht besser um diesen hier einen ganz großen Bogen. Zu empfehlen sei El Topo wirklich nur hart gesottenen Zuschauern, die nach einer völlig anderen Seherfahrung dürsten. Bei denen wird aber dafür Jodorowkys filmischer Teufelsschrei noch öfter über den Screen flimmern. Ne Wertung gibt’s hier mal nicht, denn um eine solche zu fällen bedarf es wohl noch ein Vielfaches an Sichtungen.

Ganz fix hier mal den kompletten Film in wuderbarer Grafik (Atari VCS 2600 herrscht!)

aka “Tell your Children”

Pot, Weed, Reefer,Shit, Canabis, Marijuana, Buckel, Stoff, Kiff: Der Teufel hat viele Namen! Nicht nur, dass harmlose, brave Jugendliche sich nach dem Genuss dieser furchtbaren Droge in reißende Bestien verwandeln, die sogar ihre Familie mit der Axt töten- Nein, es kommt noch schlimmer: Der verantwortungslose Jack und seine Freundin Mae verführen die amerikanischen Kids in ihrer privaten Party-Hölle zum Drogenexzess! Während der manische Pianist des Hauses im breiten Schädel dem Klavier fast schon satanistische Charleston-Klänge entlockt, fallen alle Hemmungen bei der anwesenden Jugend. Da wird die Haschisch-Zigarette im Akkord gerollt und unter Halluzinationen getanzt, geküsst und gegrabscht, dass es einem übel werden kann. Einmal den Qualm inhaliert und schon öffnen sich für die sofort Süchtigen die Höllenpforten. Die Auswüchse dieser wahnsinnigen Feten sind schier grauenhaft und lassen einem das Blut in den Adern gefrieren! Erleben Sie, wie Bill, der nette Junge von Nebenan, sein komplettes Leben ruiniert. Werden Sie Zeuge, wie die schlimmsten Albträume besorgter Eltern zur Realität werden! Einmal im Rauschzustand dieser gefährlichen Droge gefangen gibt es kein zurück mehr für die Abhängigen. Da werden Passanten überfahren und Fahrerflucht begangen, der voreheliche Geschlechtsverkehr vollzogen, mit Schusswaffen hantiert und am Ende regieren Mord, Suizid und die Lebenslange Unterbringung in der Nervenheilanstalt. Ihr Kind könnte das nächste Opfer sein, von Amerikas Staatsfeind Nr. 1!

Genau! Reefer Madnesss, der Film, der aufzeigt was passieren kann wenn die Hysterie überhand gewinnt. Nicht etwa die Kommunisten oder die Nationalsozialisten bedrohen die USA am Ende der 1930er, sondern eine neue Superdroge, die aus den Teenagern wahre Monster werden lässt! Die Gefahr muss gebannt werden! Am besten mit einem Aufklärungsfilm, der den Eltern zeigt was alles passiert wenn der eigene Spross erstmal im Teufelskreis der Marijuana-Zigarette gefangen ist. Wo verstecken die Süchtigen ihren qualmenden Heiland ? Wie wirkt sich der Konsum auf die Kinder aus? Und vor allen Dingen: Wie kann ich die Frucht meiner Lenden davor schützen? Produziert von einer kleinen Gruppe puritanischer Kirchenanhängern, versuchte Exploitation-Spezi Dwain Esper ( „Marihuana“, „Sex Madness“ , „Maniac“) dieses Werk in den 60ern als sein Eigentum weiter zu verhökern, doch auf solch dreiste Lügereien fiel dann doch niemand rein. Reefer Madness ist einfach nur brachial behämmert und von solch einer unfreiwilligen Komik gefüllt, dass es schon weh tut. Allein schon das grenzenlose Overacting der Darstellerschar ist haarsträubend. Ein sehr schönes Exemplar filmischen Propagandaschaffens, das es innerhalb seiner knapp 70 Minuten Laufzeit bewerkstelligt so ziemlich jegliche Hirnblähungen seiner Macher auf den Screen zu zaubern.
7 von 10 Rosenkränzen zum Runterbeten

Von mir bereits heiß herbeigesehnt, erreichte mich vor einigen Tagen die Presse-DVD zum neuesten Sleaze-Kracher von Wolfgang Büld. Aufgrund des momentan recht stressigen Alltags meinerseits musste ich die die finale Sichtung des Films dann zwar etwas aufschieben, doch nun gibt’s hier allerlei Wissenswertes rund um den Streifen, der ab Februar 2006 vom deutschen Label Epix auf DVD erscheint zu erfahren. Legen wir mal los:

Werbefachfrau Jennifer führt ein recht beneidenswertes Leben, mit allem was sich die fröhliche und gesunde Mittelstands-Dame von Welt so wünschen kann: Treusorgender Mediziner als Ehegatten, Erfolg im Beruf, nette Arbeitskollegen und wie sich auch bald herausstellt Mutti in Spe. Eigentlich alles Bestens, wenn nicht plötzlich eine Serie bizarrer Morde die heile Welt erschüttern würde. Plötzlich steht Jennifer unter Verdacht eine Männermordende Nymphomanin zu sein und das schmierige Cop-Duo Caffrey und Woodgate versuchen sie des mehrfachen Mordes zu überführen. Leidet die Gute etwa an Blackouts während sie Männer kastriert oder steckt eine mysteriöse Doppelgängerin hinter den Geschehnissen?
(Möglicherweise versteckt sich hier der Autor dieser Zeilen im Bild)
Nach den beiden Vorgängern, „Penetration Angst“ und „Lovesick-Sick love“, die den neu eingeschlagenen Stil des Wolfgang Büld markieren, folgt mit Twisted Sisters, dessen Arbeitstitel „Final Cut“ war, die linearste Aufarbeitung eines Erotik-Thrillers, der aus seinen Influenzen keinesfalls einen Hehl macht und der neben seiner vollendeten Eigenständigkeit auch gleichzeitig ein wahrer Lobgesang auf das Sujet von Brian de Palma ist. Dass hier Werke wie Dressed to Kill oder Sisters Pate standen ist kaum zu übersehen. Das eingeschlagene Tempo der beiden Quasi-Vorläufer fährt man hier zu Gunsten des sich hervorragend aufbauenden Spannungsbogens zwar stark zurück, doch dafür weiß auch der gehörige Einschlag des äußerst schwarzen Humors , dessen Bestandaufnahme ja schon in „Penetration Angst“ gefeiert wurde, seinen Charme zu versprühen. -„Dieser Schwangerschaftstest ist recht einfach durchzuführen.“ --„Er ist Pisseinfach!“

Neben einem sich in wunderbarer Spiellaune zeigendem Cast ( Fiona Horsey brilliert in einer Doppelrolle und Paul Conway zeigt sich so vergnügt schmierig, dass sein Part als asozialer Ermittler Coffrey ein wunderbarer Spaß ist.), und der wirklich tollen Kameraarbeit von Uwe Bohrer (Nekromantik), setzt Twisted Sisters auch in den recht expliziten Erotikszenen und der damit einhergehenden Morden neue Maßstäbe im Bereich deutscher Sexploitation-Film. Zu keiner Zeit abgleitend in irgendwelche Hardcore-Gefilde eines Herrn Bethmann und trotzdem Zeigefreudig lautet hier das Credo. Besonderer Höhepunkt auf der Sleaze-Skala des Films ist das „Feuerwerk der guten Laune“ (Wolfgang Bülds Bezeichnung der Sequenz trifft wirklich 100%ig den Nerv der Geschehnisse), dass mit einem anschließendem Schlagzeug-Solo der Killerin amüsant den humorigen Höhepunkt erreicht. Der einziger Kritikpunkt , den sich Twisted Sisters gefallen lassen muss, ist eine Szene mit Fiona Horsey, die verkleidet als Putzfrau in ein Appartment eindringt. Irgendwie mag das meiner Meinung nach nicht so ganz funktionieren und wirkt leicht deplaziert. Trotzdem sei dieser neueste Darkblackfilms-Flick jedem Jess Franco und de Palma-Freund wärmstens ans Herz gelegt. Ein herrlich schräger und unkonventioneller, doch jederzeit stimmiger Sleaze-Film aus deutschen Landen.
8 von 10 abgesäbelten Prengeln
P.S. : Nein, ich bin jetzt nicht darauf eingegangen, dass ich hier mitspiele

Da haben wir mal wieder was neues altes ausgegraben, was jedem, der in den 1980ern  ein fleissiger Videothekengänger war vielleicht noch in Erinnerung geblieben ist: Das fantastische Sub-Genre namens Bruceploitation!

 Solltet ihr euch jetzt fragen, was denn nun das wieder ist, so folgt hier mal kurz die Erläuterung.
Wie vielleicht bekannt, hat der Eastern Großmeister namens Bruce Lee ja zu Lebzeiten nicht gerade so viele Filme durch seine Präsenz veredeln können.  Nach seinem frühen Tod fühlten sich aber diverse (selbsternannte ) Doppelgänger  und geschäftstüchtige Produzenten genötigt dem Meister in Form von teils unglaublich debilen Filmwerken zu huldigen und die Bruce-Manie zu nutzen  um selbst etwas Geld einzufahren. Vorhang auf für Bruce Li, Bruce Le, Dragon Lee,  Bruce Li Zine und all die anderen Stars der Bruceploitation-Ära!

In jüngster Zeit hatte ich mich ja dem ausgedehnten Exkurs in die  Philosophie und Soziologie verschrieben.  Nach dem Verinnerlichen der guten Herrn Adorno, Horkheimer, Kant, Hegel  und anderer Vertreter ihrer Zunft geht's jetzt wieder in Richtung der gesammelten  Wegweiser durch die Film-und Fernsehanalysen. 

So, eigentlich ( wenn mal alles so leicht wäre) hätte hier ein recht umfangreicher Text stehen können, desse Sinn und Zweck es gewesen wäre das schamlose  Ausbeuten  einer  gewissen  Filmkonsumenten- und Verpackungsfetischisten-Klientel  mal kritisch  anzuprangern . Doch wie das so im Leben ist, hat sich dieser Eintrag ins Datennirvana verabschiedet bevor ich ihn ordentlich abspeichern konnte.  Mehr dazu vielleicht später.

PENG!

Hellraiser (1987-2005)

Unlängst ereilte ja sämtliche erfolgreichen und einst innovativen Horrorfilme der Fluch der Franchise Gesetzmäßigkeiten. Filme ,deren einstige Verdienste, den nicht greifbaren Schrecken für sein Publikum in reinster Form auf zu bereiten und so den Status der wichtigsten Vertreter seines Genres zu erlangen wie zum Beispiel Wes Craven’s A Nightmare on Elm Street“ oder John Carpenters „Halloween“. Gemeinsamkeiten, dieser und auch anderer Vertreter der anerkannten Kultfilme im Metier des phantastischen Kinos sind schon innerhalb ihrer Handlungsschauplätze und derer aufgebrochenen vermeintlichen Sicherheit vor dem Unbekannten und bedrohlichen zu finden, die das Idyll heimsucht und so dem Publikum genügend Raum für Identifikation mit dem Plot und der gewünschten Empathie zum Protagonisten und dessen Handeln in der Wiederherstellung der zerrütteten Ordnung einräumt.


Genau der Zusammenbruch der geregelten Sicherheit, die von innen heraus gesprengt wird führt den belebenden Impuls des ernsthaften Horrors mit sich. Wenn ein Freddy Krueger die Träume der Vorstadt Teenager heimsucht oder Michael Meyers errichteten Schutzwall der Kleinstadt Haddonfield einreißt wird ein realer Bezug geschaffen der das Harmonieempfinden seiner Rezipienten erschüttert Und so erste den belebenden Tabubruch, der zur wegweisenden Neuerung avanciert erreicht. Wenn erstmal gemäß der Sequelpolitik genau jener Grad der Innovation unterwandert wird und in einer immer wiederkehrenden Regelmäßigkeit der anvisierten Zielgruppe feil geboten wird, kann eigentlich nur noch die Stilisierung der Antagonisten und deren feste Integration innerhalb der Populärkultur den ökonomischen Aspekt der Produktionen gewährleisten. Die früheren Schreckgespenster unterliegen ihrem Dasein als reines Produkt anstatt nur ambivalente Boten des Einbruchs in das Alltäglich zu sein.


 Das exploitative Verlangen des Kollektivs regelt von da an den Umsatz der neueren Auflage des einstig umjubelten Originals: In ähnlichen Bahnen wie das neue Foto des Abziehbild-Hollywood-Stars beim privaten Ehebruch von Paparazzis fotografiert und der Masse öffentlich zum Fraße vorgeworfen wird, so kann die Merchandise-Maschinerie die das neue Abenteuer des Horrorserienhelden begleitet auf ihre Reputation hoffen. Wenn aber auch an dieser Front kein Heller mehr zu holen sein, so bleibt dem findigen Produzenten nur noch eine Rückbesinnung zum Originalkonzept oder einer Neustrukturierung des abgenutzten Musters über. Besonders am Beispiel von Clive Barker’s Hellraiser lässt sich diese schablonenhafte Entwicklung äußerst gut nachzeichnen.


Hellraiser (1987)

 Mitte der 1980er feiern bereits etablierte und von ihrem Schrecken kastrierte Horror-Ikonen wie Freddy Krueger, Michael Meyers und JasonVorhees ihr fröhliches Stelldichein in Comics, auf T-Shirts, Feuerzeugen und in Posterbüchlein für das Jugendzimmer, als ein nur mit 1 Millionen Dollar Budget ausgestattete Film eines bis dato höchstens Insidern bekannten englischen Schriftstellers die Ernsthaftigkeit in das Genre zurückholt.



 Basierend auf Barkers Kurzgeschichte The Hellbound Heart verfügt Hellraiser, dessen Produktionstitel Sadomasochists from beyond the Grave, schon einiges seines Inhaltes vorweg nimmt , über all jene Elemente die einen späteren Kultstatus begründen. Seiner Tradition streng verpflichtet setzt der Film seine Akzente auch in der extremen graphischen Ausarbeitung seines Grundkonstrukts vom überaus deutlichen Horrors, der aus der sexuell konnotierten Situiertheit heraus die Sicherheit im Inneren der Familie aufsprengt. Vor allem aus seinen mystischen und religiösen Implikationen macht Barker keinesfalls einen Hehl: Überdeutlich und im Sinne der Teilung von Eros und Thanatos findet die absolute Ekstase ihren Höhepunkt im graphischen Tod durch zerreißen vor dem Hintergrund der bösen Stiefmutter bis zum unvermeidlichen Brudermord.


Nicht nur im Sinne der erneuten Menschwerdung erscheint der Untote Frank wieder im geschlossenen Kreis des Familieninneren, viel mehr scheint genau die Modifikation der eigenen Fleischlichkeit und der Ausbeutung der fremden Körper das Ziel zu sein, dass das Erreichen der vollkommenen Lust sichert. Nicht nur der physische Geschlechtsakt steht nunmehr zur Debatte um den Gipfel des Climax zu erreichen, sondern das totale Konsumieren des begehrten Fleisches. Am Ende dieses Prozesses vervollständigt sich das Fleischpuzzle noch zur Annahme der Identität des Opfers/ Liebhabers. Franks Begierde, die sich in der bedingungslosen Nekrophilie von Julia reflektiert und die Verdammnis der Freier, die Franks Lust stillen besiegelt.



 Die Wächter der Hölle, die Cenobiten, scheinen bereits im ersten Teil nur Abgesandte zu sein, deren eigener zuvor menschliche Drang nach der totalen Lust versagt blieb und die nun als eine Art von vorgöttlichen Propheten erscheinen um Franks Unterfangen, die vollkommenste Stufe zu erreichen mehr ahnden wollen als dessen Flucht aus der Hölle. Schon der Charakter des Straßennamens in der das Haus der Familie Cotton steht, gibt Hinweise auf die finale Konfrontation, in der mehr die Perversionen und Neigungen der aufeinander treffenden Personen und Dämonen ausgetragen wären um das Moralgefüge wieder zu rehabilitieren: Die Adresse 55 Ludovico Place, eröffnet nicht nur den Bezug,den Franks Taten und dessen Sühne an Gemeinsamkeiten zu Alex in Clockwork Orange aufweisen und in welchen der Werdegang vom nach Erfüllung suchenden Jäger in die Rolle des gejagten Opfers umkehren, sondern finden noch einen weiteren Anhaltspunkt im abschließenden Auftritt eines dem Hippogryph artverwandten , der die Puzzlebox an sich nimmt um weitere Seelen der Hölle zu überantworten.


 Des weiteren schmückt sich Hellraiser mit Motiven, die von de Sade, bis über John Milton zu Aleister Crowley, einen fetischzentrierten Okkultismus entwerfen , bei dem endgültig die Gottwerdung des Menschen durch die Sexualmagie und deren Vermischung mit dem Satanismus einher gehen. Franks abschließendes „Jesus wept“ bildet hier das Manifest, an das Hellbound:Hellraiser 2 beinahe lückenlos anknüpft um die epischen Vorahnungen, die der Erstling beim Zuschauer erwirkt weiter ausführt.


Hellbound:Hellraiser 2 (1988)



 Tony Randels Fortsetzung, die sich an einem Script von Barker selbst orientiert führt die Story genau dort weiter, wo die zweite Instanz einer möglichen Sicherheit neben der Familie zu suchen ist: Die Tür zwischen der Hölle und der Realität öffnet sich in einem Krankenhaus, dem Ort des Vertrauens, der Hilfe und der Fürsorge. Julia, die mittlerweile Franks Rolle übernommen hat wird nicht unabsichtlich wieder aus der Unterwelt zurück geführt, sondern dient dem sadistischen Dr. Channard mehr als Instrument der Erlangung seiner selbst herbeigesehnten Göttlichkeit. Die Ausbeutung ihm unterstellter Körper ist ihm im Gegensatz zu Frank im ersten Teil schon innerhalb der weltlichen Existenz ein Begriff und zur Vervollständigung seiner Phantasien und Gelüste ist der Abstieg zu Leviathan, dem Gott der Hölle der finale Schritt.



 Leviathan, dessen Erscheinung der allmächtigen Puzzlebox in einer „geöffneten“ Form gleicht stößt akustische Intervalle aus, die dem Morsealphabet nach das Wort „God“ immerzu wiederholen. Der Aufruf, dass das Erlangen der eigenen Göttlichkeit in der parallelen Welt, die sich vornehmlich der realen Welt mit Verlockungen der Macht bedient rapid ist, wird auch in Flashbacks visualisiert in denen der früheren Identität des Cenobiten Pinhead Beachtung geschenkt wird. Ebenfalls der Begriff der eigenen Hölle, die auch in den späteren Sequels wieder aufgegriffen wird, erhält hier in verschiedenen Passagen des Labyrinths ein Gesicht. Wie schon in Hellraiser liegt hier der Kernpunkt des Exkurses in der Auslöschung des Selbst , indem die Gebote eines Schöpfergottes befolgt werden und der totale fleischliche Auflösung vorausgeht.



 Den Untergang Channards und der seines neuen Paradieses besiegelt der größenwahnsinnige Drang die Gelüste der verworfenen menschlichen Hülle mit der des Gottes zu vereinen.


Hellraiser 3: Hell on Earth (1992)


Dem Sohn der Regielegende Douglas Hickox, Anthony ist es zu „verdanken“, dass die Überführung des Hellraiser Stoffes in die Popkultur unterzogen wurde. Sämtliche Motive, die in den ersten beiden Entwürfen der Serie erarbeitet und ausgebaut wurden wirft der dritte Teil über den Haufen. Neben ständigen Zugeständnissen gegenüber einer Heavy-Metal-Fan-Klientel, plakativer Mechanismen um den Ursprung der Geschichte vorzuführen und dem rekrutieren neuer Cenobiten in einer Diskothek verkommt der Film zu einer B-Film Effekthascherei sondergleichen. Exploitation in reinster Form, den der albere Kommentar des „Kamera-Cenobiten“ in seiner Machart gut wiedergibt „ Das Dingen ist im Kasten!“ Der unaufhaltsame Verfall der innovativen ersten beiden Filme weicht einer Nummernrevue aus der Klischeeschublade.

 Hellraiser 4: Bloodline (1996)


 Dem letzten Teil der Serie, dem noch eine Kinoauswertung vergönnt ist, verpasst die Produktionsgesellschaft Dimension-Films den Todesstoß: Als epische Geschichte angesiedelt, die die Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft der Puzzlebox beleuchten soll bleibt aus dem Flickwerk, das am Ende dabei herauskommt höchstens noch ein durchschnittlicher Popcorn-Gruseler über, der von dem von Regisseur und FX-Mann Kevin Yagher anvisierten Projekt nichts mehr beinhaltet und der zusammen montiert mit von Joe Chapelle nachgedrehten Szenen durchgehend unfertig ausschaut.

Hellraiser : Inferno (2000)



 Ein asozialer Cop, der scheinbar in Wahnvorstellungen versinkt entspricht mehr einer Story, wie sie von den Akte-X Autoren wohl aus einem Mülleimer gefischt stammen könnte. Zwar wird hier am Ende wieder die eingangs erwähnte Eigenhölle am Ende des Geschehens aufgerollt, doch das rettet den miserablen Direct-to-Video-Ramsch dann auch nicht mehr. Hat mit Barkers Vision außer einem mies ins Script geschrieben Pinhead absolut gar nichts mehr am Hut. Der damalige Tiefpunkt der Saga. Als 45 Minuten Folge einer schlechten TV-Serie durchaus akzeptabel aber als Hellraiser-Fortsetzung unsagbar.

Hellraiser: Hellseeker (2002)


 Der Auftakt, von drei Filmen am Stück, die der erfahrene Hollywood Kameramann Rick Bota inszenieren durfte, erweist sich wenigstens als recht spannend und unterhaltsam, da zum einen mit der erneuten Verpflichtung von Ashley Laurence als Christy Cotton ein Bezug zu den ersten beiden Filmen gegeben ist und andererseits , da einiges an Botas Erfahrung als visueller Zauberer bei anderen Projekten wie dem House on Haunted Hill Remake. Der Rest veräußert sich dann mehr als Kopie von Jacob’s Ladder.

 Hellraiser : Deader (2005)


Wieder Rick Bota, wieder optische Spielereien in Videoclip-Optik und abermals ein aufgeblasener Mystery-Quark, in dem Kari Wuhrer einer Selbstmord-Sekte auf den Fersen ist, deren Oberhaupt seine zombifizierten und wiederbelebten Mitglieder nicht den Cenobiten überantworten möchte. CGI-Ketten, ein paar Gore-Einlagen und Schocks von der Tonspur gesellen sich zur konfusen Handlung und einer Hauptdarstellerin, die mit einem Messer im Körper fast 20 Minuten rumblutet und durch die Stadt läuft, dass es den Zuschauer einiges an Nerven abverlangt um diesen unsagbaren Quatsch nicht vorzeitig auszuschalten.

 Hellraiser: Hellworld (2005)


 Lance Henrikson blamiert sich einem Film, der an Schwachsinnigkeit kaum noch zu unterbieten ist.Als Programmierer eines Hellraiser-Computerspiels, lädt der gute Mann hier diverse Teenager auf eine riesige Hellworld-Party ein, bei der neben Sex und Alkohol absolut nichts zu finden ist, was die gutgläubigen Teenies anlocken sollte. Zwar gibt man wie schon beim Vorläufer Verweise zum Bloodline-Film, aber außer einem lächerlichen Teenie-Slasher mit einer unglaublich behämmerten Auflösung ist Hellworld reinstes Entertainment zum Fernseher kaputt schlagen. Bota überspannt hier seine Stakkato-Schnittparade bis ins unerträgliche. Absolut Bodenlos!



Was bleibt? Ein stark gealterter Doug Bradley, der auf Börsen sitzt, traurig schaut und dem die Rolle als Pinhead im Nachhinein festgenagelt hat in indiskutablen Sequels seine Fließband-Gemeinheiten in Form immer unmotiviert werdender One-Liner auf zu sagen. Hellraiser: Ein ehemals bahnbrechender Film, der den Horror in den 80ern revolutionierte ist selbst eine von den Serien geworden, die er damals als popeliger Einheitsbrei outete.

Zu allererst sei hier mal Frenzy ein Lob ausgesprochen, der mich freundlicherweise auf den Release dieses Filmes hier aufmerksam gemacht hatte(Ein Besuch seines Blogs sei auch mal empfohlen, da der ja was kann). Bereits wenige Sekunden nach Genuss des Trailers auf der Site von Panik House Entertainment war eines klar: Ein weiteres glückliches Leben ohne im Besitz dieses Krachers zu sein könnte sehr schwierig werden. Als dann gestern der nette Mensch von der Post mit der DVD in Händen vor der Tür stand hatte sich schon eine gewaltige Vorfreude entwickelt, denn die Tage in denen der feine Film den Weg vom US-Versender DVD Pacific bis zu mir fand erschienen mir schier endlos. Also schnell dem Beppo das Paket aus den Griffeln gerissen und rein in den schrubbeligen Kot-Free-Player. Was dann so passierte werde ich jetzt mal berichten.

Nippon-Land zu Beginn des 20. Jahrhunderts: Die Kindheit von Ocho Inoshika findet ihr jähes Ende als der liebe Vati (seines Zeichens Geheimagent ) kurzerhand gemeuchelt wird. Szenenwechsel: So ein paar popelige Jährchen später und um einiges an Titten-Tatoos reicher hüpft Ocho dem Glücksspiel nicht abgeneigt durchs Leben und schwingt beherzt das Katana wenn Not an der Frau ist. Zwei, drei Metzeleien später offenbart ihr ein sterbender Lümmel, dass seine Tochter in einem Puff gegen ihren Willen fest gehalten wird und uns Madame macht sich auf die unwillige Berufsmatratze aus den Fängen der bösen Buben zu befreien. Was dann so folgt und was eine englische Agentin (die ja eigentlich Schwedin ist) und ein anarchistischer Outlaw damit zu tun haben sei hier mal noch nicht verraten.

Ob der Film was taugt und meiner euphorischen Erwartungshaltung gerecht werden kann, wollt ihr wissen? Ich fasse das kurz so zusammen: Den Leuten von Panik House, die dieses Juwel hier ausgegraben haben und in einer wirklich tollen DVD-Edition auf die Menschheit los lassen sei ein Schrein errichtet! „Furyo anego den: Inoshika Ocho“ aka „Sex & Fury“ ist wirklich ein Flick, der eigentlich alles besitzt was einen Film zu einer vollends rockenden Wundertüte für den Herrn mit Geschmack macht. Schon die weibliche Hauptdarstellerinnen-Paarung schießt den Vogel ab: Die über alles erhabene „One-Eye“ Christina Lindberg und das Female Yakuza Starlet Reiko Ike gemeinsam in einem derartigen Exploiter der Extraklasse zu sehen dürfte niemanden kalt lassen. Der Schweinigelfraktion sei gesagt, dass die Damen hier vorzugsweise hüllenlos zu begaffen sind und das fast ohne das es aufgesetzt erscheinen mag. Vielmehr ist hier fotografierte Poesie an der Tagesordnung, die mit einem unglaublich tollen Soundtrack in bester 70s Tradition daher kommt. Mit viel Liebe fürs Detail präsentiert Regisseur Norifumi Suzuki ( Ja, genau der, der den bei uns berühmt berüchtigten Exzesse im Folterkeller auf de Kerbholz hat!) eine Nummernrevue, die ihres Gleichen sucht. Das volle Brett Sleaze, Szenen die auch aus Lady Snowblood stammen könnten, Rape’n Revenge , Schwertgeschnetzel , Torture und eine Story ohne größere Längen: Hier ist wirklich was für jeden dabei. Verdammt noch mal, ich verwette meinen Arsch darauf, dass Tarantino diesen Film kennt. Speziell im ersten Anlauf von Kill Bill ist einiges zu sehen, das aus Sex & Fury geräubert sein könnte. Mir fällt jetzt nicht mehr viel mehr ein als diesen Film hier jedem ans Herz zu legen, der auch nur Ansatzweise eines der oben aufgezählten Elemente zu schätzen weiß. Da funkeln die Äuglein einfach nur noch.

10 von 10 Tatoos

House of Wax (2005) Ohne jetzt groß einleitende Worte zu verlieren (hab gerade genug mit Kaffeesaufen zu tun) schwingen wir uns jetzt mal in das unbändige Vergnügen und stellen fest, dass man hier nicht wirklich einen ansprechenden Plot geboten bekommt: Teengager! Sogar ein ganzer Haufen davon wie man sie im 08/15 Slasherhimmel kaum erwarten könnte. Wundersame Charaktere, deren spitzfindige Naturen so geschickt umrissen werden, dass man vor Innovation seinen Fernseher mit dem Fuß streicheln möchte. Die Interessengemeinschaft Vögelsaufingen e.V. ist gar nur innerhalb ihrer Wochenendplanung noch kreativer als bei Wahl ihrer Gesprächsthemen: „Hö,hö, da fahren wir mal Campen!“ Natürlich hat sich dann noch ganz in der Nähe ein Bruderpaar den Spaß gegönnt, eine ganze Kleinstadt abzumurksen und in handliche Wachsfiguren umzufunktionieren. Was passiert wohl, wenn die Teenies in die Fänge der Wachsfetischisten geraten? Hier mal ausnahmsweise was neues an der Remakefront: Das Dingens heißt zwar so wie ein Vincent Price-Filmchen, is aber was ganz anderes, das außer dem Wachsfiguren-Upgrading nichts mit dem Namensvetter am Hut hat. Statt Price gibt’s hier Paris Hilton und Elisha Cuthbert zu bestaunen. Bestaunen deshalb, weil Nervbolzen Paris uns eindrucksvoll zeigt was sie kann: Nichts, noch weniger und sogar gar nichts! In dummen Trendklamotten rumhüpfen, mit Kerlen rummachen und mit einem einzigen Gesichtsausdruck in der Bratzenfresse irgendwelche Sprüche, die von Panini-Sammelbildern auswendig gelernt wurden runter brabbeln sind das Maximum, dass die blonde Kackstelze auffährt. Miss Cuthbert ihrerseits kaspert sich auch hier wieder durch einen konfusen Streifen, wie man es von ihr nicht anders gewohnt ist. Der Rest der Bande ist dann auch gar nicht weiter erwähnenswert. Viel mehr sei House of Wax all jenen Menschen empfohlen, die sic gerne selbst kneifen wollen um wach zu bleiben. Die erste komplette Stunde passiert in etwa soviel interessantes auf dem Screen wie bei Gesprächsrunden von Komapatienten. Wer danach noch nicht weggepennt ist, der wird in der zweiten Hälfte dieser Hochglanzschmonzette mit ein paar Splatter-Einlagen und fiesen Quälereien beehrt. Vereinzelt kommt dann so was wie Stimmung auf, die dann allerdings durch anschließende Dummsabbelei zerstört wird. Alles plätschert und tropft vor sich hin und im Idealfall beißt jemand recht ansehnlich ins Gras. Ansonsten bleibt ein Langweiler zurück, dessen Story mehr als an den Haaren herbei gezogen scheint und dessen einzige Lichtblicke einige gelungene FX und der Soundtrack sind. Der neueste Hit unter den Fast Forward Flicks halt. Selbst für den geneigten Fan von Paris Hilton ( gibt es eigentlich so abartig veranlagte Menschen?) ist der Griff zum One Night in Paris Porno die bessere Wahl. 3 von 10 siamese Deams

US-Cartoonist Rick Trembles verbrät massig Kinoklassiker und Exploiter in wunderbar schrägen Zeichnungen, die entweder als  Sammelband zu erwerben wären oder auf seiner Homepage zu begutachten sind. Hier mal ein paar schöne Pix

Hier haben wir mal wieder eine Doku. Eine Doku über einen Pornofilm und dessen Wirken in der Weltgeschichte. Na ja, eigentlich knallte der tiefe Schlund der Hauptdarstellerin Linda Lovelace nur im puritanischen Amiland der frühen 70s so richtig rein. Haben wir es ja mit dem erfolgreichsten Independent Film ever zu tun. Wie so vieles ging uns das damals in Bavaria leicht am Arsch vorbei, was da drüben in Coca-Cola-Country so für nen Rummel um den weltberühmten Blow-Job betriebe wurde. Als Deep Throat dann durch den Video Boom Anfang der 80er bei uns in den Schmuddelecken landete werden das wohl die wenigsten Hobbyonanisten wahrgenommen haben. Das mag auch mit der Grund sein, warum Inside Deep Throat so schnell wieder aus den deutschen Lichtspielhäusern verschwunden sein mag. Der gemeine großdeutsche Pornokonsument und der Blockbustersüchtling mögen da wohl als potenzielle Besucher nicht gerade der Zielgruppe entsprechen. Und was die stiefmütterlich behandelte Dokumentation jetzt kann, wollen Sie wissen? Nun ja, sooo viel kann die dann auch nicht. Zwar kommen in aktuellen Interviews und Archivaufnahmen einige Beteiligte und Befürworter des ollen Pimmelnuckel-Classics zu Wort, doch genau da wo es interessanter wird in der Folgegeschichte des Films und den Schicksalen seiner Macher bleibt uns die retrospektive Fokussierung der Behind-the-Scenes-Zusammenstellung doch einiges an Hintergründen und Informationen schuldig. Wurde Linda denn nun zu den aufnahmen gezwungen oder nicht? In wie weit hatte die Mafia wirklich ihre Finger mit im Spiel? Und überhaupt: Wen juckt das zwar kurzweilige aber recht oberflächliche Resümee über diesen Streifen wirklich? Für den filmhistorisch interessierten Zuschauer (moi!) bringt man hier nicht wirklich viel Neues auf den Tisch. In den Zeiten wo das Internet noch nicht Informationsquelle No. 1 gewesen ist und das Thema Deep Throat noch nicht X-fach (Kalauer!) durchgekaut wurde ( Ein Satz-zwei Flachwitze!) wäre das ganze sinnvoller gewesen. So bleibt eigentlich nur ein recht unterhaltsamer Streifen über, der aber hinter den Erwartungen weit zurück bleibt. 5 von 10 blauen Flecken